人がいきいきとする
環境を創造する。

地域の公園愛護協力会の副会長を務めることになったときです。本事業は行政の土地活用に関わる公募事業であり、工事段階から地域活性化に対する当社への期待が非常に高いと感じました。
施工者として、できることには作業所一丸となって協力しようと考えました。
施工だけでなく、地域とともに事業を進める責任を強く意識した瞬間でもありました。

発注者・設計者・施工者・別途工事業者の有志でマラソンに参加したことが象徴的でした。
ランナーだけでなく応援団を含めて一体となることで、チームの団結力と絆が深まったと感じています。
立場は違っても、目指すゴールは一つであることを改めて実感しました。
この経験は、その後、後述の「バトンをつなぐ施工」にも大きく寄与したと感じています。

プライベートで、着工前に豊洲の「チームラボプラネッツ TOKYO DMM.com」、竣工前に麻布台の「森ビル デジタルアート ミュージアム：エプソン チームラボボーダレス」を訪れました。
実際にその空間を体感することで、施工中の建物が目指す最終形をより具体的にイメージすることができました。

躯体を早期に構築し、次工程が多い部屋から天井裏の設備工事を完了させ、速やかに別途工事業者へ引き渡しました。
別途工事業者も迅速に内装工事を進め、大成の防災設備工事へとバトンを渡してくれました。
発注者・当社・別途工事業者によって、ミルフィーユのように工程が重なり合う中で、「自分たちだけの都合」ではなく「次工程の立場」を意識した工程調整を行うことを大切にしました。

北面庇上部の藍色壁は、顆粒状の墨を混ぜ込んだ材料を使用した左官仕上げの壁です。
同じ職人が作業しても、コテのわずかな力加減やその日の気象条件によって、隣り合う面との風合いが変わり、発注者から何度も指摘を受け塗り直しを重ねました。
施工者としては手強い材料でしたが、苦労した分、印象的な仕上がりになったと思います。

閑静な住宅地の中で大規模工事を行うにあたり、施工による周辺地域への影響を少しでも抑えられるよう、車両動線を踏まえたゲート位置の検討や、節目ごとに丁寧な工事説明を心掛けました。
そうした積み重ねを通じて、徐々に近隣の皆様に理解をいただけるようになりました。
完成後も、近隣の皆様に受け入れられる建物を地図に残したいという思いで取り組みました。

細部にこだわった意匠設計であったので、チームラボさんにはモックアップや試験施工を幾度も確認いただき、十分に認識をすり合わせたうえで実施工に臨みました。
その結果、求められる仕上がりを実現できたと思います。

アート作品は床・壁の素材が特殊で、プロジェクターを使用するものが多いので、内装業者から、床や壁が平らになっていなかったり、倒れていたりなどの精度については厳しい要求がありました。
作品体験の質を損なわないよう、そうした精度管理には特に注力しました。

外部軒天井から続く、エントランスの勾配天井は木毛セメント板に黒塗装を施した、設計チームこだわりの仕上げです。施工面でも難易度が高く、印象に残っています。
また、1階の外壁タイルはシール目地を目立たなくして、連続性を持たせるため、下地の割付から入念な検討を行いました。

加えて、青みの強い意匠性塗材についても、塗継ぎなく1枚の平面として見せたいというチームラボさんの思いが強く、何度も塗り直しを重ねて仕上げた部位で、思い入れが強いです。

工事着工当初、施主であるチームラボから、建築や設備に対する要望を直接伺ったときです。

チームラボのアート作品は、映像や光を鑑賞するだけのものではありません。
来館者が空間の中を歩き、動き、触れることで作品そのものが変化していく、体験型のアートです。
一般的な美術館とは異なり、来館者は単なる鑑賞者ではなく、空間の中で作品の一部として関わります。

そのためチームラボから最初に示された要望の一つが、「来館者がアート体験に没入するために、建築や設備の存在を感じさせないこと」でした。

展示空間では光や描かれた絵が空間全体に広がります。
その中で設備機器の存在感や機器音、空調の気流などが強く感じられると、来館者の体験に影響してしまう可能性があります。
つまり設備は確実に機能していなければならない一方で、体験の中では存在していないかのように振る舞う必要があります。

さらに展示機器には大量のプロジェクターやコンピューターが使用されるため、一般的な美術館と比べて特別な環境条件を満たす必要があります。
そのため設備としては、
“大きな冷房能力を確保する”、“安定した温湿度環境を維持する”、“機器のメンテナンス性を確保する”といった条件も同時に満たす必要がありました。

こうした要望を聞いたとき、このプロジェクトは単にアートを収める“箱”をつくるのではなく、アート作品そのものを支える“環境”をつくる仕事なのだと感じました。

そのため、従来の経験や設備の論理だけで判断するのではなく、
どのようなアート作品がこの空間に存在し、来館者がどのように感じ、どのように体験するかという視点を常に意識しながら、プロジェクトに臨みました。

明確な合言葉があったわけではありませんが、「アート作品を最優先に考える」という共通認識は、設計・施工の中で根付いていたと思います。

作品・建築・設備のそれぞれの分野には異なる役割がありますが、最終的な判断基準は常に「アート作品が成立するかどうか」でした。
施主であるチームラボ、展示施工を担当する別途工事業者、設計者、施工者がこの考え方を共有していたことで、多くの関係者が関わる複雑なプロジェクトであっても、
同じ方向を向いて議論し続けることができたと感じています。
そして、アート作品を成立させるために、作品・建築・設備それぞれの役割の最適解を全員で考え抜くことができたのは、この共通認識が自然に浸透していたからだと思います。

その結果として、アート作品そのものが空間の主役として成立するミュージアムが完成したのだと考えています。

設計・施工チームとしても、まずは作品がどのような体験を生み出すのかを理解することが重要だと考えていました。

しかし私たちはチームラボの生み出すアート作品については知識も経験も十分ではありませんでした。
そのため、プロジェクトの初期段階から、チームラボや作品を展示するための施工を担当する別途工事業者と密にコミュニケーションを取りながら、作品のコンセプトや展示の成立条件について何度も意見交換を行いました。

作品･建築･設備の条件は密接に関係しています。
そのため、どこか一つの分野だけで判断するのではなく、常に「この空間でどのような体験が生まれるのか」という視点を共有することを大切にしていました。

具体的な取り組みの一つが、3Dモデルを用いた検討です。
図面だけでは分かりにくい空間の見え方や設備の納まりを立体的に確認しながら調整を進めました。
設備機器の位置や形状、空調の吹き出し位置など、わずかな違いでも体験に影響する可能性があります。チームラボや別途工事業者とともに情報共有しながら、展示･建築･設備それぞれの視点で課題を検討していきました。

こうした対話の積み重ねにより、
設計・施工チームとしても「どのようなアート体験を成立させたいのか」という思想を理解しながらプロジェクトに取り組むことができたと感じています。

設計・施工の立場では、機能や安全性を確保しながらも、建築や設備の存在が来館者の体験を妨げないようにする判断を数多く行いました。

最も大きな課題の一つは、内部発熱への対応でした。

このミュージアムでは、光を用いたアート作品を成立させるために多くのプロジェクターやコンピューターが使用されているため、展示空間では、一般的な事務室や展示室と比較すると、高い空調能力が求められました。

こうした条件の中で、アート体験を阻害しない温湿度環境と、展示機器が安定して稼働する環境の両方を成立させるため、空調容量の設定には非常に慎重な検討が必要でした。
その結果、室内機やダクトの大型化、それに伴うメンテナンス方法の複雑化など、設備設計・施工の両面で通常の美術館とは異なる対応が求められました。

しかしその一方で、設備の存在を感じさせないことも重要でした。
そのため、設計・施工の立場からは、設備性能やメンテナンスの観点からの提案を行いながら、チームラボや別途工事業者からはアート作品や展示条件に関する情報を共有していただき、密な調整を重ねました。

こうした協働によって、来館者が建築や設備を意識することなくアートに没入できているのであれば、それが設計・施工として大きな成果だと考えています。

ぜひ注目していただきたいのは、このミュージアムが 「完成形を持たない建築」として計画されている点です。

チームラボの作品は時間とともに更新され、新しい表現が生まれていきます。そのため、この建物も、現在の展示だけを支えるミュージアムではなく、将来の作品や体験の変化に対応できるインフラとして計画されています。

例えば電気設備では、将来的な展示拡張を見据えて受変電設備や幹線ルートに余力を持たせています。
空調設備も、展示更新に柔軟に対応できるようアートゾーンごとに系統分けを行い、将来機器を設置できるスペースも確保しています。

つまりこの建物は、「今の作品のためだけの建築」ではなく、これから生まれるアート体験も支え続ける建築です。

来館者の方々には、ぜひ現在の作品だけでなく、この場所が時間とともにどのように進化していくのかにも思いを巡らせながら体験していただければ嬉しいです。

「これは普通の建築ではない」と感じた瞬間
計画を初めて見たとき、強く印象に残っていることがあります。
それは「この規模の美術館で設備計画？」という驚きでした。
どのくらいの電力を使用するのか。
アート機材はどれほど同時に稼働するのか。
デジタルテクノロジーを活用したアートという分野自体がまだ新しく、当時は設計の知見も多くありません。
説明を受けても、具体的な空間をなかなかイメージできませんでした。

転機となったのは、東京の既存ミュージアムを見学したときです。
広大な空間の現し天井には、設備機器やダクトが張り巡らされ、その下では数多くのプロジェクターやセンサーが作品を支えていました。
その光景を目にしたとき、「これは自社内の設計調整だけで完結する建築ではない」
と直感しました。
このプロジェクトは、アーティスト、運営者、設計者、施工者など、多くの関係者が連携してはじめて成立する建築だと感じた瞬間でした。

プロジェクトを支えた「自由に話せる関係・One Team」
このプロジェクトでは、非常に多くの関係者と日々打合せを重ねてきました。
その中で私たちが大切にしていたのは、日常的なコミュニケーションです。
「自分たちの責任範囲だけを確実に施工すればよい」という考え方では、建物は完成しません。
アートを成立させるためには、全員が自由に意見を出し合い、互いを尊重しながら進めていくことが不可欠でした。

誰でも率直に意見を出せる環境づくりを意識した結果、関係者全員が協力し合う体制（One Team）が生まれ、大きな手戻りもほとんどない、非常に健全なプロジェクトになったと感じています。

作品を理解するため、昼から深夜まで現地調査
チームラボの作品は、建築とアートが密接に関係しています。
そのため設計チームとしても、作品そのものを理解することが欠かせませんでした。
既存ミュージアムでは、閉館後から深夜にかけて現地調査を行い、作品空間の細部まで確認しました。

さらにプライベートでもミュージアムを訪れ、一人の来館者として体験することも大切にしました。
来館者として感じる純粋な感動と、設計者として空間を見る視点。
その両方を持ちながら、このミュージアムの空間づくりに取り組んでいきました。

建築は「あえて目立たない」
ミュージアムで最も重要なのは、来館者が体験するアートです。
そのため建築設備は、できる限り存在感を抑えることを意識しました。
アート空間には不要なものを極力置かず、やむを得ない防災設備のみを設置。
現し天井内や視界に入る設備機器の塗装を工夫することで存在感を抑えています。

また、スピーカーや、誘導灯の、設備が視界に入りにくい工夫を行いました。

さらに、プロジェクター映像が投影される壁面では、わずかな凹凸でも映像の歪みや影の原因になります。
そのため器具が、壁面と完全にフラットになるようミリ単位の施工精度で調整しました。

敷地へ足を踏み入れた瞬間から始まる体験
来館者の体験は、アート空間に入る前から始まっています。
外部のアプローチからエントランスを経由しアート空間へ至るまでは、奥へ進むにつれて徐々に暗くなるよう計画しました。
これにより、真っ暗なアート空間へ違和感なく誘導されます。

また、エントランスのガラスファサードには、外構植栽をライトアップした光が映り込みます。
これは夕方以降にだけ現れる、**ちょっとした「隠れアート」**のような演出です。

「”体験”を創る」
私は実ミュージアム計終盤からこのプロジェクトに参画しましたが、設計チーム内の引継ぎ段階で、当社にとって、社会にとって非常に重要なプロジェクトだと確信しました。
チームラボのミュージアムは当時すでに国内外に展開していましたが、京都のミュージアムは「単独」「常設」「国内最大」ということで、身が引き締まる思いでした。

通常の設計施工は建築の竣工がゴールと捉えることもありますが、このプロジェクトにはゴールはありません。
”体験”を創り、その体験が刻々と変化する。訪れるたびに体験が変わる。
これを前提に建築としてどういう姿を目指すべきか。最初に感じたというよりは、常に考えを巡らせながら関わらせていただきました。

「”One Team”で創る」
施工図・製作図等の承認行為を行う際は、どんなに些細な項目でも、各作品の仕上がりに影響があり、将来のアート変更を見据えた設えとする必要があるため、必ずチームラボや関係各社の確認をとって進めました。
施工チームにもこの共通認識があったので、詳細な変更でもまずは共有、という流れができていたのはこのプロジェクトが成功したひとつの理由だと思っています。

また、内装工事・アート実装工事・厨房工事・植栽工事等の各業者との調整も多岐に渡りましたが、「工事区分があるからここまでしかできない」ではなく、「工事区分があるからお互いに技術・知恵を絞って最適解が導ける」という意識で進められたことも、”One Team”でひとつの作品を創るプロセスとして重要だったと実感しています。

「”コミュニケーションの量と質”で関係性を創る」
このプロジェクトの計画地は京都ですが、関係者には遠方の方も多く、打合せはリモート会議がメインとなっていました。
昨今はどんなプロジェクトでも一般的なツールになっていると思います。

しかし、工事が進んでいくと、現地や実物の材料を見ながら意思決定をしていかないと判断を見誤ることになります。専門家集団でも言葉の捉え方や認識が少しずつ異なっているからです。
その”ズレ”をひとつでも解消するため、とにかく現場に赴いて対話することを大切にしていました。

正直、何回現場で打合せしたか本当に数え切れません（笑）。
もちろん大変な面もありましたが意思疎通の早さは圧倒的で、言葉ではなく、図面・BIM・モノで語ることが重要だと改めて実感しました。

「デザインしないデザイン」
建築を設計する際、要素ひとつひとつに機能や意味、合理性を持たせてデザインすることが基本となりますが、このプロジェクトではそれが純粋な”作品”としての在り方を邪魔してしまうことになりかねません。
あくまで作品を通した”体験”が主役、建築はその背景になるという、「デザインしないデザイン」が重要でした。

この意味は実際に足を運んでいただいて感じてもらえれば嬉しいです。
来館された方に、体験の前後で世界の見え方が変わる感覚を味わってもらえれば、建築設計者としても大成功！だと思います。

「デジタル」⇔「人間の力」
チームラボと聞くと「デジタル」や「最新技術」といったイメージが強いと思いますが、このプロジェクトは「人間の力」によって実現しました。
仕事上のコミュニケーションだけではなく、みんなでマラソンに参加したり、深夜に行列に並んでラーメンを食べたり、かけがえのない仲間ができたと感じています。
職人さんのセンスや技術も随所に光っていますので、是非味わっていただきたいです。

最後になりますが、プロジェクトメンバーはもちろん、行政の方々、近隣の方々含め大変多くの皆様に多大なご協力を頂きました。この場を借りて感謝申し上げます。

私にとってこのプロジェクトは、初めて新築プロジェクトに携わった案件でした。
経験も知識も十分とは言えない中で、日々検討や打合せを繰り返しながら、ただ懸命にプロジェクトについていくことに必死だった、というのが正直なところです。

関係者が多いプロジェクトということもあり、打合せの回数も非常に多かった印象があります。
設計者として図面を取りまとめる立場であったため、打合せの中で生じた調整事項については、記憶が新しいうちにゲラを作成し、速やかに図面へ反映することを心がけていました。
その積み重ねを行うことで、関係者間の認識のズレを最小限に抑えることを心がけていました。

“デザインしないデザイン”を行うということを常に意識して計画を行いました。
あくまでもアート体験が主役である建物に対し、チームラボの「境界のない」「環境と連続する」といった考え方を、直接的なデザインとして建物に表現するのではなく、素材の持つ個性やディテール、空間体験として落とし込むことを意識的に行いました。

設問3とも重なりますが、建築の意匠を前に出すぎないことは、設計を通して常に意識していました。
例えば、素材の表情やディテールについても、「建築として美しいか」だけではなく、「作品や来館者の体験を妨げないか」ということを常に意識していました。

京都ということもあり、景観面で配慮すべき条件は多くありましたが、「景観上できない」と結論づけてしまうのではなく、どうすれば実現できるのかを考え続けました。
メーカーや工場へ足を運び、試行錯誤を重ねたことで、結果として目指していた表現を形にできたと感じています。

制約と表現の間でバランスをとる難しさはありましたが、その過程そのものにこのプロジェクトならではの面白さがあったと思います。

プロジェクト関係者との“連続するつながり”です。

昨年、そして今年と、プロジェクトのメンバーでマラソンに参加し、いつしかそれが毎年の恒例行事になりつつあります。
当時直接担当していた方々に限らず、当時は関わりのなかった運営の方々とも交流が続いていく。
その広がりと連続こそが、このプロジェクトならではの魅力だと感じています。

各作品のご説明と、既存ミュージアムのバックヤードを見学させていただいたとき、チームラボさんの試作品を拝見させていただいたとき。
もともとチームラボさんの作品が好きだったのでプロジェクトに関われると知った時はわくわくする体験づくりの一端を担えることがとても嬉しかったです。

チームラボ バイオヴォルテックス 京都 - 大成建設で計画されている作品の内容とそのために求められる建築の要件についてご説明を受けた際に、新しい作品についてもお話しがありました。
これからつくろうとされている作品は体験したことが無い空間であったりして常に新しいことをかたちにされようとしている姿勢に感銘を受けました。

その後既存の運用中のミュージアムのバックヤードや試作品を見せていただく中で、新しいミュージアムではこんな風に建築を用意しておくと将来的に維持していく上でも更新していく上でもよりよくなるというイメージが具体的に湧きました。
通常は人が滞在する空間に重きを置いて設計を進めますが、今回は人の滞在空間はもとより、作品を支える仕組みの部分やその運用のための空間づくりもそれと同様に重要でした。

外観の設計を進めている中で、チームラボアーキテクツさんの“外観がアートになってはならない、建築をデザインしてはならない”と言う旨のコメントが印象に残っており、大切にしてきました。

チームラボさんのアート体験が主役なので、建築がそれ以上に目だたないことは重要だと考えていましたが、拘らないことがデザインしないことではありませんし、デザインしたように見せない為のデザイン・設計が必要であり、それを実現するために施工上も難しい納まりにトライしてもらったところもあります。

都市に実在し、長く残る以上、建物を設計する際には『新鮮さ』は必要ですが『奇抜さ』にならないようにと常に考えているので、通ずる想いを感じました。
数十年前からそこにあって大切にされてきたものは数十年後も大切にされると思います。

チームラボ バイオヴォルテックス 京都 - 大成建設も建物としての新鮮さは感じていただけると思いますが、以前からそこにあってもおかしくない存在と感じていただけるものになっていると思うので、チームラボさんと我々が目指していたものが完成したと思っています。